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¿Alguna vez has querido hacer tu propia película? Escribir, dirigir y aprender a editar tu propia película es una proposición abrumadora, pero te da el mayor control creativo posible sobre tu obra. Debes estar preparado para esforzarte mucho no solo para realizar la película, sino también para divertirte. Así que busca a algunos amigos, consigue una cámara y alístate para el rodaje que Hollywood te llama.
Pasos
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Piensa en una idea. A menos que tengas una imaginación del tamaño de Oceanía, esta será la parte más difícil. Sin embargo, que se te ocurra una idea para la película no tiene que ser un enfrentamiento intenso con la musa artística. Trata de conseguir una buena oración, como una que hayas leído en la descripción de una película para que te sirva como base para la tuya. ¿Cuál es el conflicto, el personaje o la historia que tú quieres contar? Ten en mente unas cuantas cosas al momento de planificar:
- Más pequeño es mejor: si vas a filmar por tu cuenta, cada personaje, ubicación y efecto especial extra va a requerir financiamiento y se tendrá que resolver en algún momento.
- ¿Qué género buscas interpretar? ¿Comedia, ciencia ficción, drama? Una vez que sepas el género podrás empezar a pensar en tramas y personajes que encajen.
- ¿Qué combinaciones de películas no has visto? Aunque parezca infantil, casi todas las películas y programas de televisión son un híbrido de otras películas, producciones para televisión y géneros. Por ejemplo, Crepúsculo es “Vampiros” + “Novela romántica”. ¿Alguna vez has visto un western cómico? ¿Qué tal ciencia ficción stoner? ¿Cómo puedes concordar con tus intereses de formas inesperadas?
- ¿Dónde tienes experiencia? ¿Puedes comentar sobre la vida cotidiana de un trabajador de oficina de una forma original? ¿Sabes más sobre el golf de disco que nadie más? ¿Hay una película en alguna parte de estas experiencias? [1] X Fuente de investigación
- Busca las frases largas de tus películas favoritas para que te inspires. Hay frases similares a las sinopsis que se usan para vender el guion a los ejecutivos de la industria. Puedes buscar miles de ellas en Internet.
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Inventa los personajes. Estos impulsan la historia. Casi todas las películas son el resultado de un personaje que quiere algo, pero no puede conseguirlo. Entonces, la película muestra las pruebas y tribulaciones de los personajes cuando están tratando de cumplir sus deseos (conseguir a la chica, salvar el mundo, graduarse de la universidad, entre otros). El público se relaciona con el personaje, no con la película, así que tienes que asegurarte de pensar bien a los personajes antes de empezar. Los buenos personajes tienen las siguientes características:
- Son completos . Esto quiere decir que tienen varias facetas, no solo el hombre iracundo o la heroína fuerte . Los personajes completos tienen fortalezas y debilidades, lo que hace que la audiencia pueda relacionarse con ellos.
- Tienen deseos y temores . Incluso si solo hubiera uno de cada uno, un buen personaje quiere algo, pero no puede conseguirlo. Su capacidad o incapacidad para superar su temor (de ser pobre, estar solo, los alienígenas, las arañas, entre otros) es lo que impulsa el conflicto.
- Tener agencia . A un buen personaje no se le fuerza a hacer cosas porque el guion necesita que vaya a algún lugar. Un buen personaje toma las decisiones que impulsan la trama. A veces se trata de una sola buena elección que impulsa todo lo demás (Lewellyn en Sin lugar para los débiles ), otras veces es una serie de malas o buenas decisiones en cada escena ( Escándalo americano ). [2] X Fuente de investigación
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Esboza las ideas principales de la trama de tu película. A algunas personas les gusta imaginarse personas y una premisa, y luego empezar a escribir. Sin embargo, todos los guionistas valoran una trama de 5 puntos, donde la película está conformada por 5 momentos claves y que van escalando. Casi todas las películas siguen esta estructura general, desde Jurassic Park y Solo amigos hasta El destino de Júpiter' [3] X Fuente de investigación Esto no quiere decir que tu guion debe seguir esta plantilla, pero hay un método para llegar a la locura. Hay 5 momentos principales en todas las películas que caen en el mismo lugar y es necesaria una buena razón para desviarse del sistema si quisieras ser original : [4] X Fuente de investigación
- La base: ¿quiénes son tus personajes, dónde viven y qué quieren hacer? Este es el primer 10 % o menos de tu película.
- El cambio de planes, la oportunidad o el conflicto: algo pasa que pone el conflicto en movimiento, por ejemplo, Erin Brockovich consigue un trabajo, la escuela de Super Cool organiza una fiesta, Neo se introduce a Matrix , entre otros. Esta es más o menos la marca de 1/3 del guion.
- El punto de no regreso: hasta este punto, los personajes se esfuerzan mucho para volver sus objetivos realidad. Sin embargo, en el punto medio de la película, algo pasa de modo que se vuelve imposible retroceder. Un villano de Bond vuelve a atacar, el Gladiador llega a Roma, Thelma y Louise roban una tienda por primera vez, entre otros.
- El retroceso principal: desde el punto de no regreso, ahora hay más en juego. Tanto para el personaje como para el público, todo parece perdido. Aquí es cuando la chica y el chico de todas las comedias románticas que existen rompen, cuando despiden a Ron Burgundy en El reportero: La leyenda de Ron Burgundy y cuando John McClane está derrotado y ensangrentado en Duro de matar . Esta parte aparece cuando la historia está en la marca del 75 %.
- El clímax: los personajes hacen un último esfuerzo total por alcanzar sus objetivos, lo que culmina en el desafío más grande de todos. Este es el momento de la carrera al aeropuerto, los agujeros finales de Los locos del golf o el duelo final entre el héroe y el villano. Una vez que se resuelve, el último 10 % del guion ata los cabos sueltos y muestra lo que pasa después del clímax. [5] X Fuente de investigación
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Escribe el guion. Si vas a producir una película por tu cuenta, puedes usar cualquier formato de escritura que te guste. Sin embargo, un programa informático para escribir guiones, como Celtx, Writer Duets y Final Draft, te ayudará a tener un formato de la calidad de un estudio y te brindará herramientas específicas para guionistas. Estos programas formatearán de manera automática y son una excelente forma de saber la duración de la película: 1 página de guion equivale aproximadamente a 1 minuto de tiempo en la pantalla.
- Ponte algunas notas sobre elementos como el ambiente, el escenario y los actores, pero enfócate principalmente en el diálogo. Vas a tener que tomar otras decisiones más adelante, cuando tengas cámaras, actores y ubicaciones.
- Prepárate para escribir nuevamente. Es casi imposible que todos los momentos, incluidos personajes, trama, temáticas, bromas, entre otros, te salgan bien en el primer intento. Una vez que hayas terminado, regresa al guion y trata de leerlo de manera objetiva. ¿Verías esta película?
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Haz una lectura de guion para mejorar la redacción. Esta práctica es indispensable para perfeccionar un buen guion y preparase para rodar. Reúne a un par de amigos o actores y dales a cada uno el guion con 2 a 3 días de anticipación. Luego invítalos a tu casa y ensayen toda la película. Haz que enuncien los papeles mientras que tú o alguien más narra las acciones. Toma nota de cualquier línea que se sienta poco natural o extraña, de cuándo una escena no cumpla las expectativas y de cuánto tiempo demora leer el guion. [6] X Fuente de investigación
- Pregúntales a los actores o amigos lo que piensan. ¿En qué parte se confundieron? ¿Qué parte les gustó? Pregúntales si sintieron que el personaje estaba bien pensado y consistente.
- Trata de no cumplir un rol y solo escucha. ¿Escuchas que tu película cobra vida? ¿Suena como si esperabas que lo hiciera? Tienes que escuchar los momentos en este momento, no cuando se enciendan las cámaras. [7] X Fuente de investigación
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Haz una lista de todo el equipo que tienes y el que necesitas. Hacer películas requiere muchos implementos, como cámaras, micrófonos y luces. Haz un inventario rápido del equipo que tienes, luego encuentra maneras de llenar los vacíos:
- Cámaras: por supuesto, no podrás rodar una película nunca sin una cámara. En la mayoría de las películas, necesitas al menos 2 cámaras y, de preferencia, 3. Con esto en mente, los avances en las cámaras modernas han hecho que sea posible grabar una película con un iPhone 6, de modo que ya no es necesario que gastes mucho dinero. Lo más importante para una película profesional es tener cámaras que graben en el mismo formato (por ejemplo, 1080i), de lo contrario, la calidad del video cambiará ligeramente en cada toma.
- Micrófonos: si tuvieras el prepuesto reducido, gástalo en el equipo de audio pues está comprobado que el público se da cuenta de un sonido malo antes que un video malo. Aunque si no tuvieras otra opción podrías usar los micrófonos que vienen incorporados en la cámara, siempre valdrá la pena invertir en un micrófono Tascam o de escopeta (“shotgun”). [8] X Fuente de investigación
- Iluminación: si puedes conseguir un equipo de iluminación excelente de 3 a 5 piezas, úsalo. Estas luces tienen una variedad de funciones y configuraciones que te ayudarán a iluminar cualquier situación que puedas imaginar. Sin embargo, muchas películas independientes se han iluminado con unas 5 a 10 lámparas baratas con abrazadera y unos cables de extensión. Lo único que necesitas son luces y diferentes bombillas (tungsteno, mate, LED, entre otros) para personalizar la escena. [9] X Fuente de investigación
- Accesorios esenciales: dependiendo de la película, necesitarás tarjetas de memoria, un disco duro externo, trípodes, reflectores, extensiones, cinta aislante (para cubrir o sujetar cables) y un programa informático de edición de videos. [10] X Fuente de investigación
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Haz un guion gráfico para cada escena. Los guiones gráficos tienen una apariencia similar a los cómicos. Se dibuja la toma general y debajo se agrega el diálogo que se tiene que decir. Los guiones son como listas de control cuando estás filmando y te ayudan a capturar cada toma que necesites de modo que cuando edites, no te des cuenta de la nada que te falta algo. [11] X Fuente de investigación
- Cada recuadro que dibujes se vuelve una lista de toma: un libro detallado que contiene cada uno de los ángulos de la cámara que tienes que capturar para contar la historia. Una vez que el guion gráfico esté terminado, cópialo y ponlo en un archivador para tenerlo como referencia más adelante.
- Toma apuntes de cortes y transiciones y efectos de sonido esenciales. Estos dibujos no tienen que ser arte, sino que tienen que contar la historia de la película de manera visual. [12] X Fuente de investigación
- Es posible que los sientas tediosos, pero te ahorrarán tiempo en el set, que se vuelve costoso rápidamente.
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Encuentra los sets y las ubicaciones. Hay muchas escuelas de pensamiento sobre la elección del set y ninguna está equivocada. Puedes construir uno propio para tener el mayor control creativo, pero tomará tiempo y mucho dinero. Puedes filmar en casa y ubicaciones a los que tienes acceso rápido, como la casa o el patio trasero de tu amigo. Otra alternativa es alquilar espacios que te gusten o conseguir los permisos necesarios para rodar en una escuela, un hotel o un parque. Sin importar lo que hagas, asegúrate de que el set quede bien con la película y de que te permita a ti y a tu equipo ocupar todo el lugar por varias horas sin que los molesten.
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Usa el guion gráfico y la lista de equipo para hacer un presupuesto. Este es el momento que de seguro todos los realizadores odian más, pero es necesario que tengas una idea realista del costo de tu película antes de empezar a filmar. Por ejemplo, no querrás llegar a la mitad de la grabación y darte cuenta de que no tienes dinero para alquilar un auto para la escena de persecución del clímax. Haz un presupuesto simple y realista. ¿Realmente necesitas 10 pistolas de utilería o puedes arreglártelas con 2? ¿Puedes eliminar o cambiar una escena con 100 extras de modo que tengas 10? Tienes que considerar lo siguiente en el presupuesto:
- Equipo que actualmente no te pertenece.
- Utilería, disfraces y ubicaciones (como alquilar un salón de baile o un restaurante).
- Los honorarios de los actores y el equipo. Es posible conseguirlos sin pagar, pero es raro que la gente te ayude por más de 1 o 2 días sin que le pagues.
- Costos de alimentos y transporte para ti, el equipo y los actores.
- Debes saber que para una toma "profesional" con actores y equipo remunerados, debes tener un presupuesto de "mínimo" $5000 al día.
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Contrata actores y miembros del equipo. Tienes los personajes, la lista de tomas y el equipo necesario. Ahora necesitas a alguien a que lo use todo. La forma de dar papeles a los actores es una elección personal, puedes realizar audiciones por medio de Craigslist o una publicación en el periódico, ir a teatros de la localidad o involucrar a tus amigos. En el caso de los miembros del equipo, hay varios puestos que tienes que llenar:
- Director de fotografía (DF): se puede argumentar que es el trabajo más importante, pues está a cargo de las cámaras y las luces. Mientras tú dirigirás a los actores y tendrás la última palabra sobre la escena, esta persona controla los aspectos técnicos de la película. Vas a necesitar a alguien que entienda de lentes, cámaras e iluminación, incluso si fuera solo un amigo al que le guste la fotografía. Es muy muy difícil iluminar una escena de manera efectiva, colocar las cámaras, supervisar a los actores y armar la escena al mismo tiempo, así que consigue a alguien que te quite un poco de la carga y te permita dirigir.
- Director asistente (DA) : programa las tomas, se asegura de que se lleva a cabo la lista de tomas, graba escenas pequeñas si el director estuviera ocupado. También podría ayudar con el presupuesto.
- Operarios de cámara y micrófono: se explica por sí solo, pero es esencial. No podrás hacer una buena película sin ellos.
- Maquillador: aunque cualquiera puede hacerlo, su trabajo principal es la continuidad. A menos que pase mucho tiempo en tu película, necesitarás que la cara y los disfraces del actor se vean iguales en todas las escenas, de lo contrario, el público notará los cambios. Toma fotos del disfraz, el maquillaje y las escenas todos los días para asegurarte de que se vean iguales.
- Ingeniero de sonido: escucha todos los sonidos cuando se estén grabando y garantiza que estén bien. También coloca los micrófonos para recoger el diálogo después de que se hayan colocado las luces.
- Productor de línea: revisa las ubicaciones antes de tiempo, se asegura de que los permisos y los contratos estén escritos y firmados.
- Asistente de producción: siempre son útiles, son las personas que hacen lo que se necesita hacer, por ejemplo, preparar la comida y el café, limpiar las tarjetas de memoria e incluso sostener la cámara cuando fuera necesario. Nunca tendrás suficientes miembros del equipo.
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Firma contratos. No importa con quién estés trabajando o de qué proyecto se trata, haz que te firmen un contrato. Este instrumento te protegerá en caso de accidentes, obliga a las personas jurídicamente a cumplir con la película hasta que esté completa y evita demandas en caso de que la escogen. Puedes buscar "Contrato de actor de película", "Contrato de productor", entre otros, en Internet. [13] X Fuente de investigación
- Paradójicamente, los contratos son una forma excelente de preservar una amistad. En lugar de discutir sobre algún tema más adelante, simplemente puedes hacer referencia a lo que se tiene por escrito.
- Asegúrate de tener una cláusula, en especial en el caso de los actores, que los obligue a terminar la película una vez que empiecen a grabar.
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Haz un cronograma de filmación. Lo realista es que, a menos que tengas unas cuantas personas en el guion y entre 1 y 2 ubicaciones solo lograrás realizar entre 5 y 10 páginas del guion en un buen día. En el caso de las escenas grandes o difíciles, es posible que logres filmar entre 2 a 3 páginas. Mientras más tiempo pases filmando, mejor; sin embargo, mientras más tiempo pases filmando, más dinero gastarás también. Cómo equilibras este aspecto dependerá de unos cuantos factores:
- ¿Qué escenas suceden en la misma ubicación? ¿Las puedes filmar el mismo día, incluso si fuera en desorden?
- ¿Qué escenas tienen listas de tomas inmensas? Llevarlas a cabo garantizará que las escenas "grandes" te queden como quieras.
- ¿Hay alguna toma de la que se pueda prescindir si faltara tiempo o dinero? Déjalas para el final.
- Este cronograma podría ser flexible y es probable que así lo sea. Sin embargo, mientras más lo respetes, mejor.
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Prepárate para todo con anticipación. Debes ser el primero en el set y el último en irte todos los días. Rodar una película no es fácil y tendrás que asumir que cualquier cosa podría salir mal. Los actores se enferman, el clima no ayuda y hay más de 100 pequeñas decisiones (iluminación, ubicación de los personajes, disfraces) que se tienen que tomar cada hora. La única forma de tener una toma exitosa es realizar la mayor cantidad de trabajo que puedas antes de siquiera comenzar.
- Revisa la lista de tomas del día. ¿Qué tienes que conseguir y qué puedes cortar si se te acabara el tiempo?
- Ensaya con actores. Asegúrate de que sepan sus líneas y cómo quieres que las interpreten.
- Revisa la iluminación y las opciones de cámara con el DF. [14] X Fuente de investigación
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Infórmales a todos qué se espera al inicio de la toma. Dales detalles de una forma clara desde el inicio. Esto es muy importante en el caso de las películas que tienen bajo presupuesto, pues habrá actuaciones y trabajo que obtendrás de manera gratuita. Haz que el elenco y el equipo sepa tus objetivos para la toma del día y cuánto les agradeces su apoyo.
- Reparte el programa del día con anticipación para que todos estén preparados.
- Hazle saber al equipo sobre cualquier efecto especial o sensaciones que quieres conseguir y cómo te pueden ayudar a crearlo.
- Revisa los procedimientos para filmar para que todos sepan su papel.
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Prepara la planificación de la escena. En la planificación los actores saben dónde están y a dónde van. Este es el primer paso para cualquier filmación y el más esencial: ninguna luz, cámara o sonido se puede colocar hasta después de que esté terminado. Si la escena está bien ensayada esta parte será fácil. Si no fuera así, tendrás que pasar un tiempo colocando a los actores en el lugar adecuado.
- Haz que este proceso sea lo más simple posible: caminar en líneas rectas, entradas y salidas básicas y posiciones en su mayor parte inmóviles. No se trata de una obra y las cámaras solo capturarán una pequeña fracción de toda la escena. Deja que la cámara haga el movimiento cuando fuera posible, no los actores. [15] X Fuente de investigación
- Se puede colocar cinta adhesiva en el suelo para indicarles a los actores dónde deben terminar después de cada toma.
- A menudo es posible planificar antes con miembros del equipo o una lista de tomas detallada para ahorrar tiempo. Si tienes la planificación ya escrita, la filmación será mucho más productiva.
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Pon las cámaras en su lugar. Hay un sinnúmero de maneras de colocarlas, moverlas y usarlas. Esta es la razón por la que una lista de tomas, que básicamente es una lista de posiciones ya establecidas para la cámara, es vital para ahorrar tiempo y dinero. Para ahorrar tiempo, los tres ángulos esenciales de una cámara en una escena de diálogo son los siguientes:
- Plano de establecimiento: estos planos contienen toda la acción de la escena: los personajes que hablan, la escena y los movimientos. Son planos largos y amplios que podrías usar para filmar toda la escena, si algo saliera mal, pues capturan todo.
- Plano de a dos (2 cámaras): una cámara sobre el hombro de cada actor que apunta al otro. De esta forma podrás ver a cada personaje cuando habla.
- Cuando grabes 3 o más actores, trata de bloquearlos de modo que tengas 2 personajes en el fotograma al mismo tiempo, de esta forma solo necesitarás una cámara para capturar su diálogo.
- Mira tus películas favoritas con un ojo de discernimiento. Por ejemplo, ¿cómo una cámara puede capturar una cena romántica entre dos personas? Notarás más estos tres ángulos de cámara (uno o ambos + la mesa, uno del chico, uno de la chica) que cualquier otro juego de planos.
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Establece las luces. Recuerda que siempre es mejor tener más iluminación que tener menos. Es fácil oscurecer una imagen en la posproducción, pero es muy difícil aclararla sin sacrificar la calidad de la imagen. Aprovecha la luz natural cuando fuera posible y, sobre todo, haz que las cosas sean simples. El objetivo es un rango agradable y gradual de luces: sombras profundas y oscuras y muy pocas áreas grandes brillantes.
- Pon la cámara en blanco y negro para ver solo la claridad de la imagen. Si sigue siendo una toma interesante en blanco y negro, se verá increíble en color.
- La hora y media alrededor de la salida y la puesta del sol se considera el mejor momento para hacer tomas en luz natural. La iluminación es suave y pareja e incluso puedes usar este momento para iluminar tomas de "noche", que se atenúan después en la posproducción. [16] X Fuente de investigación
- Usa luces en la escena. ¿Tienes problemas para que la luz te quede bien? Coloca una lámpara en la toma o enciende las luces del techo. [17] X Fuente de investigación
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Debes saber cómo empezar una toma. Las técnicas para comenzar una película cambiarán de un set a otro, pero no entre romas. Tener una rutina antes de empezar a grabar garantizará que todos estén en la misma página en cada momento. Cuando fuera posible, este será el deber del asistente de dirección. Una rutina modelo incluirá lo siguiente:
- "¡Silencio con todos por favor, vamos a rodar!"
- "¡Sonido!" Este es la señal para empezar con los micrófonos. Cuando se hace alguien grita "¡Grabando!"
- "¡Cámaras!" Esta es la señal para empezar con las cámaras. Cuando se termine, alguien gritará normalmente "¡Grabando!".
- Lee en voz alta el título, la escena y el número de toma. "Esta es mi película, Escena 1, Toma 2". Si tuvieras un listón, se cierra y alguien grita "¡Cámara!".
- 3 a 5 segundos de silencio.
- "¡Acción!" [18] X Fuente de investigación
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Toma la cobertura cuando tengas la escena que quieres. Escoge unos cuantos ángulos extremos, tomas interesantes del entorno o acercamientos a las caras, manos o utilería de los personajes y vuelve a realizar la escena. Estas tomas durarán solo 1 a 2 segundos, pero son esenciales para editar. Mira cualquier película y fíjate cuántas tomas pequeñas y posiblemente inútiles se usan para adentrarse en el mundo de la escena, mostrar un giro emocional o simplemente hacer la transición entre una escena y otra. Graba estas tomas una vez que los actores hayan enunciado las líneas como te gusta. [19] X Fuente de investigación
- ¿Los personajes hablan del pastel en la mesa? Entonces tendrás que filmar solo el pastel de la mesa. ¿Tienes que mostrar qué hora es? Entonces necesitarás una toma del reloj en la pared. [20] X Fuente de investigación
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Revisa las tomas todos los días y tacha la lista de tomas. Es posible que tengas que hacer sacrificios dependiendo de tu presupuesto y tiempo, pero incluso los directores de Hollywood están obligados a hacerlo. Después de cada día, asegúrate de tener todo lo que quieras y necesites, luego táchalo de tu lista. Tienes que saber en ese momento y no tres meses después cuando empieces a editar, si algo te falta.
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Escoge tomas B-roll. Estas son simplemente las tomas que no incluyen actores. Por lo general se usan en las transiciones, en los créditos de abertura o cierre o al momento de presentar una nueva ubicación. Sal con la cámara y el DF y graba la mayor cantidad de horas de rodaje que puedas. El objetivo principal es pensar en material que complemente a la película. Por ejemplo, el B-roll en Embriagado de amor es una serie de tomas abstractas y multicolores que van con el estado mental confundido, ansioso e incapacitado del protagonista. Las películas de espías normalmente tienen mucho B-Roll de playas hermosas, ciudades bulliciosas y paisajes dramáticos. El B-roll cuenta la historia de manera sutil y visualmente.
- Nunca se tiene suficiente B-roll. Cuando edites, este será el tejido conector que mantiene las escenas unidas para hacer que la película sea legítima.
- Puedes y debes grabar el B-roll antes y después de que termine una escena, pues estos 2 a 3 segundos son una forma excelente de introducir lentamente al público en la escena. [21] X Fuente de investigación
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Haz una copia de seguridad del material todos los días. Al final de grabar, tómate tu tiempo para extraer el material de las tarjetas de memoria y descargarlo a un disco duro externo seguro. Este pequeño paso al final del día puede ahorrarte horas y horas de trabajo en el caso desafortunado de que perdieras la grabación.
- La mayoría de los profesionales usan más de una copia de seguridad, copian todo el material al menos en dos fuentes antes de borrar nada de las tarjetas de memoria.
- Tómate este tiempo también para organizar el material. Haz un archivo para el día que vayas a grabar, luego organiza el material en la carpeta por escena. Así, filmar será mucho más fácil.
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Escoge el programa informático de edición adecuado para tu película. Hay muchas opciones entre las que puedes elegir cuando se trata de un programa de edición de video (que a menudo se les conoce como programas de edición no lineares o NLE por sus siglas en inglés), desde los gratuitos como iMovie y Windows Movie Maker hasta una central compleja y profesional como Final Cut Pro y Adobe Premier. El que escojas usar dependerá en gran medida de tus preferencias personales y el tipo de proyecto en el que estás trabajando:
- Un programa libre como iMovie y Windows Movie Maker es muy útil para las películas pequeñas, por lo general, de cualquier extensión menor a 20 minutos. No están diseñados para manejar muchos videos y ángulos de cámara y tienen un número limitado de transiciones y de efectos.
- Un programa pagado es necesario para cualquier realizador aspirante. Si usaras varias cámaras en una escena, necesitaras texto, transiciones o efectos uniformes o simplemente quieras un programa profesional, tendrás que invertir en uno bueno. Actualmente, los tres programas "estándares para la industria" son Avid, Final Cut X y Adobe Premier. Cada uno viene con un precio elevado, por lo general, de $400 a más. Sin embargo, a veces podrás suscribirte a alguno de ellos pagando una mensualidad pequeña.
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Importa una escena en el editor de videos. En el caso de una película corta (de menos de 20 a 30 minutos) es probable que puedas importar todo el material de una sola vez. Pero si vas a hacer un largometraje o simplemente vas a trabajar con muchos ángulos de cámara, será mejor editar la película por partes. Importa solo el material que requieras para la escena, así como el B-roll que fuera relevante.
- Si tuvieras muchas cámaras en la misma escena, usa la opción del programa "Sync" para alinearlas todas. Para encontrar el "modo de edición con varias cámaras" del programa que facilitará el cambio simultáneo entre varias tomas, busca "Edición con varias cámaras en [Tu programa]" en Internet. Esta función equipara todas las cámaras de modo que no tengas que pasarte horas asegurándote de que cada corte esté a tiempo con la última toma. [22] X Fuente de investigación
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Usa las primeras tomas para establecer el ánimo y la temática de la escena. Las primeras tomas determinarán su enfoque. Tienes casi un número infinito de opciones, pero las más comunes incluyen lo siguiente:
- El plano de establecimiento: esta es la forma más común de empezar una escena. Esta toma muestra a todos los actores, la escena y la ubicación al mismo tiempo. Permite al público hacerse una idea de la escena y entonces podrán seguir el resto de los cortes que vengan.
- Enfoque en el personaje: sea que digan la primera línea o no, seguir al personaje principal de la escena le dice al público que esta es la persona a la que tienen que prestarle atención, pues algo le pasará o este se dará cuenta de algo.
- Establecer la escena: usa el B-roll y las tomas de la habitación o el entorno para dar una idea de la ubicación. Este método se usa en muchas películas, especialmente de terror, donde una escena podría empezar con 5 a 6 tomas espeluznantes de una casa embrujada o una habitación peligrosa.
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Construye el diálogo alrededor de las mejores tomas de los actores. Vuelve a ver todo el material y fíjate qué escenas te gustan más, donde todos cumplen con sus marcas, el diálogo se siente natural y la toma está clara y enfocada. Si encuentras una toma donde todo está bien hecho, tienes suerte y tu trabajo será mucho más rápido.
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Muestra a cada personaje mientras enuncia sus líneas. Esta regla no es inamovible, pero casi siempre debes comenzar por ahí. A partir de ahí, podrás decidir si es más importante mirar a un personaje escuchando o hablando. Mira Whiplash: música y obsesión o Petróleo sangriento si quieres tener una buena idea de dónde debe estar el enfoque de la escena en las películas orientadas al diálogo.
- El mejor personaje para mostrar en una escena es normalmente un asunto de intuición. ¿Quién sientes que debe ser el enfoque de la línea? ¿Alguno de los actores interpreta una expresión o una reacción muy buena frente a algo? ¿A dónde iría tu mirada si estuvieras sentado en una habitación con los actores?
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Llena cualquier vacío o error del B-roll y otras tomas. A veces no se consigue una buena toma y tendrás que combinar bastante material para hacer que una escena funcione. Esto es muy común, pero no debe ser difícil si los actores cumplen con su planificación correctamente todo el tiempo. Este es el momento de agregar el detalle y el color a la escena. Por ejemplo, un personaje podría ofrecerle a alguien el pastel que está en la mesa y puedes hacer el corte después de hacerle una toma al pastel. Otra opción es que, en una escena de un interrogatorio intenso, podrías mostrar el rostro del criminal de cerca, sudando y preocupado, antes de hacer el corte y regresar a la siguiente línea del diálogo. [23] X Fuente de investigación
- No hay una manera correcta de editar una escena, siempre que recuerdes que antes que nada tu intención es contar una historia. Deja que las imágenes hablen en la medida de lo posible.
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Ajusta los tiempos de la escena para darles ritmo. Editar se trata de modificar el ritmo y los tiempos. Tú necesitas que la película fluya de manera natural. Esta es la razón por la que los editores piensan en términos de fotogramas individuales, las tomas inmóviles de microsegundos que se ven si le haces pausa a la pantalla, en lugar de pensar en segundos. Muchos editores se ajustan a la música por esta razón y editan los fotogramas para que se acomoden a un ritmo o canción, lo que le da ritmo a la escena. [24] X Fuente de investigación No tienes que limitarte al ritmo natural de los actores en pantalla y en muchos casos no debería. Agregar o eliminar pausas, incluso unas décimas de segundo, pueden hacer que una buena interpretación se convierta en excelente. Por ejemplo:
- Las escenas de mucha energía, cómicas o de acción tienen tiempos muy rápidos. No hay muchos espacios entre las líneas y las palabras casi se sobreponen para emitirse. Esto hace que la escena se sienta rápida y viva.
- Las escenas tensas son por lo general las más lentas. Las pausas se alargan, el B-roll se usa bastante y las tomas se mantienen por un tiempo largo para que el espectador se sienta incómodo. En el caso de una clase maestra en ralentizado, mira 12 años de esclavitud , en especial la escena que cuelga en el medio de la película.
- Al cerebro humano le toma entre 3 y 5 fotogramas reconocer una imagen. Esto quiere decir que, si tratas de que las cosas vayan muy rápido, podrías confundir al público. [25] X Fuente de investigación
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Aprende los diferentes tipos de corte para editar de manera profesional. Editar es el arte de contar una historia por medio de los cortes. En otras palabras, una película es simplemente una serie de videos que se ponen uno al lado del otro y cómo cortas de uno al otro es la forma en que el público percibe la historia. Por lo tanto, la forma en que ordenas el corte de un video a otro es lo único que importa cuando se está editando una película. Los cortes principales no tienen transiciones, cuentan la historia sin que el público se dé cuenta de que se ha pasado de una escena a otra. [26] X Fuente de investigación
- " Hard cut ": un corte inmediato a otro ángulo, normalmente en la misma escena. Este es el corte más común en la película.
- " Smash Cut ": un cambio abrupto a una escena completamente diferente. Esto dirige la atención al corte y con frecuencia señala sorpresa o un gran cambio en la trama.
- " Jump Cut ": un corte abrupto que se hace dentro de la misma escena, a menudo con un ángulo un poco diferente. Son más raros y normalmente muestran confusión o el pase del tiempo.
- " J-Cut ": cuando escuchas el audio de la siguiente toma antes de ver el video. Esta es una gran forma de relacionar dos escenas temáticamente o proporcionar una narrativa.
- " L-Cut ": cuando veas el video de la siguiente toma antes de escuchar el audio. Esta es una gran forma de mostrar a un personaje hablando sobre algo, como una promesa, y luego llevarlo a cabo (o no cumplirlo).
- " Action Cut ": un corte en el medio de la acción, por ejemplo, si alguien abre la puerta, lo que esconde en ella. Por ejemplo, un personaje podría acercarse para dar un beso y conforme su cabeza atraviesa la pantalla haces un corte en que una cabeza entra a la pantalla desde otro ángulo, por lo general, la de la persona que está a punto de recibir un beso. [27] X Fuente de investigación
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Une las escenas con B-roll y transiciones. Una vez que tengas las escenas hechas, será momento de empezar a unirlas. Si has editado todas las escenas como archivos separados, impórtalos en un nuevo proyecto Película maestra y ponlos en orden. Luego, usa el B-roll, las tomas de cobertura y las transiciones para que pasen de una a otra sin problemas. Aunque al principio tenías que prestarle atención al tiempo de las escenas, ahora tendrás que observar el tiempo de la película. ¿Puedes recortar una escena en esta parte y hacer que las cosas avancen más rápido? ¿Necesitas un poco más de B-roll entre las escenas para darle al público tiempo de reacción frente a un momento dramático? Nuevamente, el tiempo lo es todo.
- Este es un buen momento para pedirle a un amigo que mire la película contigo. ¿Entiendes todo lo que está pasando? ¿Hay algún punto en la trama que se pierde en la reproducción y necesita más tiempo? ¿Hay algún punto que se explica demasiado y que se puede cortar?
- En general, mientras más cortes, mejor quedará tu película. Si hay una escena que no funciona bien y no añade nada útil a la trama, deshazte de ella.
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Corrige el color y el sonido de la película para hacerla más profesional. Una vez que tengas la película lo mejor posible, será momento del largo proceso de limpieza. Los últimos pasos que también son los más importantes para una película profesional son la corrección del color y la mezcla de sonido. Aunque hay libros enteros escritos sobre el tema, el mejor consejo es que todo sea consistente, es decir, que las escenas tengan una iluminación y un color similar y no tienen lugares donde el sonido es muy alto o difícil de escuchar.
- Hay muchos estudios que pueden realizar una corrección del color y una mezcla de sonido profesional por una tarifa baja. Si no sabes bien cómo hacerlo y quieres una película profesional, definitivamente será mejor que pagues una gradación del color y una mezcla de sonido profesionales. [28] X Fuente de investigación
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Edita para contar la historia, no para ser llamativo. Hay muchas películas llamativas, famosas y estilizadas que parecen una excelente idea para copiarlas. Por ejemplo, Quentin Tarantino y Guy Ritchie han visto sus estilos animados y cinéticos en películas como Pulp Fiction y Juegos, trampas y dos armas humeantes de las que se han apropiado realizadores de todas partes. Lo que no se dan cuenta estas personas es que estos directores escogieron dicho estilo porque se acomodaba a la película. La edición se ve sencilla porque simplemente deja que las historias (historias cinéticas y orientadas a la acción) tomen el escenario central. El trabajo número uno al momento de editar es dejar que la historia se cuente de manera natural. Guiarás al espectador, pero en ningún momento este deberá comentar sobre la edición. La mejor edición es invisible. [29] X Fuente de investigaciónAnuncio
Consejos
- Prueba escribir un poco de música para que vaya con la película, pues le dará un toque especial.
- Haz que los actores revisen el guion y pídeles que escriban cosas que les gustaría incluir en la película. Trata de ordenarlas en una secuencia lógica y asegúrate de que no sean muy escandalosas para la película.
- Muchas ciudades tienen corredores que se pueden alquilar si se necesitara un set más espacioso.
- Trata de divertirte en el set porque hará que actuar sea más fácil que mantenerte serio todo el tiempo. Incluso podrías tener una reunión especial para que los actores y tú puedan hablar de la película, los personajes, los sets y los atuendos que vas a usar y expresar ideas que tengan sobre cómo hacer la película más interesante.
- Los fundidos de entrada y de salida y el fundido simple se ven más profesionales que otras transiciones como los barridos o los giros.
- Prueba agregar los sonidos de doblaje, le dan un toque especial a la película.
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Advertencias
- Ten cuidado con esto, pues el sol que ilumina desde tu espalda podría proyectar sombras en la grabación.
- Si grabas en exteriores, el sol podría llegarle a la cámara en un mal ángulo. Para evitarlo, graba en un día nublado o muévete de un lado a otro hasta que el sol esté de cara a la espalda del camarógrafo.
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Referencias
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- ↑ http://terribleminds.com/ramble/2014/01/13/25-things-a-great-character-needs/
- ↑ http://thescriptlab.com/screenwriting-101/screenplay/five-plot-point-breakdowns
- ↑ http://www.movieoutline.com/articles/the-five-key-turning-points-of-all-successful-movie-scripts.html
- ↑ http://www.storymastery.com/story/screenplay-structure-five-key-turning-points-successful-scripts/
- ↑ http://www.backstage.com/advice-for-actors/casting-director-note/why-table-reads-are-just-important-auditions/
- ↑ http://www.scriptmag.com/features/write-direct-repeat-hosting-a-table-read-for-your-script
- ↑ http://www.indiewire.com/article/the-5-people-filmmakers-need-for-a-tiny-skeleton-crew?page=2
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- ↑ http://www.indiewire.com/article/15-tips-on-making-your-first-micro-budget-film-20140714
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- ↑ http://actioncutprint.com/filmmaking-articles/filmmakingarticle-05/
- ↑ http://www.indiewire.com/article/10-tips-for-using-natural-light-to-light-your-shoot
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- ↑ http://www.theblackandblue.com/2011/05/26/hollywood-myth/
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- ↑ http://transom.org/2014/how-to-shoot-b-roll/
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- ↑ http://www.videomaker.com/article/12970-what-is-multicam-editing
- ↑ http://www.videomaker.com/article/17656-how-to-edit-dialog
- ↑ http://www.premiumbeat.com/blog/how-to-edit-a-film-to-music-without-it-becoming-a-music-video/
- ↑ http://www.filmmaking.net/246/Why-a-Director-Shouldnt-Edit-Their-Own-Film/
- ↑ http://www.lavideofilmmaker.com/filmmaking/film-editing-tips.html
- ↑ http://www.peachpit.com/articles/article.aspx?p=2233986&seqNum=4
- ↑ http://www.raindance.org/the-13-steps-of-post-production/
- ↑ http://www.nytimes.com/roomfordebate/2014/02/28/the-envelopes-please/film-editing-is-the-invisible-art
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