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Aimeriez-vous réaliser un film pour vous amuser un peu ? Ou bien, prenez-vous ce projet très au sérieux ? Quoi qu'il en soit, le processus de réalisation prend du temps, car il faut choisir un scénario, distribuer les rôles entre les différents acteurs et enfin tourner le film. Cependant, une fois que vous connaitrez les bases, vous pourrez vous lancer.
Étapes
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Choisissez un scénario. Un directeur médiocre peut très bien s'en sortir avec un excellent scénario, donc choisissez intelligemment. Si vous écrivez bien et que vous aimez ça, vous pouvez également rédiger votre propre scénario. Pour sélectionner ou écrire le meilleur scénario possible, plusieurs éléments sont à prendre en considération.
- La structure est la clé d'une bonne histoire. La structure en trois actes est un système couramment utilisé par les scénaristes. Il s'agit de la structure suivante : Acte I – Mise en scène (ou set-up ), Acte II – Confrontation, Acte III – Résolution. Les retournements clés se situent à la fin des actes I et II [1] X Source de recherche .
- Un bon scénario en montre plus qu'il n'en dit. Votre public doit pouvoir deviner ce qui se passe grâce au langage corporel des acteurs, à leurs vêtements, à leurs mouvements et à leur façon de parler. Les scénarios sont, par nature, très visuels [2] X Source de recherche .
- Chaque scène doit être précédée d'une phrase indiquant si la scène se passe à l'extérieur ou à l'intérieur, s'il fait jour ou nuit et son emplacement (par exemple : Int. Salon – Nuit).
- Lorsque vous décrivez une action, vous devez décrire ce qui se verra sur l'écran. Par exemple, au lieu de dire : « Jean entre dans le salon. Il est en colère parce que sa petite amie vient de le quitter », vous direz : « Jean entre dans le salon. Il claque la porte derrière lui et donne un coup de pied au sofa ».
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Faites un story-board de votre scénario. Le story-board est très important, car il vous permettra de visualiser la meilleure façon de réaliser chaque scène, de définir les angles de caméra et d'avoir une idée du résultat escompté. Vous n'êtes pas obligé de suivre fidèlement le story-board lors du tournage, mais il vous donnera un bon point de départ.
- Votre story-board devrait montrer les personnages dans chaque photogramme, combien de temps s'est écoulé entre le photogramme présent et celui juste avant et l'emplacement de la caméra dans le photogramme (angle de vue).
- Le but du story-board n'est pas d'atteindre la perfection. Il vous donne juste une idée du scénario et de la façon dont il devrait être tourné.
- Décidez quel sera le ton de votre film. Un film mettant en scène un détective privé courageux dans les années 20 dégagera une atmosphère complètement différente d'une comédie enjouée sur les dangers d'être parents. La meilleure façon de faire un « flop » est de changer le ton du film à mi-chemin de sorte que, sans prévenir, une comédie légère se transforme soudainement en une tragédie. Vous pouvez évidemment incorporer des éléments tragiques dans votre comédie et vice-versa, mais vous devez garder un seul ton directeur dans votre film, surtout si vous êtes nouveau dans le métier.
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Trouvez un financement pour votre film. Vous ne pouvez réaliser de film sans aucune sorte de financement, en particulier si vous voulez que d'autres personnes que les membres de votre famille le visionnent. Le matériel de tournage coute de l'argent. Vous aurez besoin d'accessoires, d'emplacements, d'acteurs et de techniciens. La plupart de ces choses demandent d'avoir de l'argent à disposition.
- Si vous voulez rester indépendant, vous devriez quand même essayer de trouver un producteur pour votre film, quelqu'un qui saura trouver un financement et des lieux de tournage.
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Attribuez un rôle à chaque acteur. Si vous n'avez pas beaucoup de moyens, vous devrez probablement faire vous-même la distribution artistique, sinon ce serait une bonne idée d'employer un metteur en scène pour effectuer ce travail. En règle générale, un metteur en scène sait où aller pour dénicher les bons acteurs.
- Le mieux est de travailler avec des acteurs qui ont déjà tourné des films et qui savent comment les choses fonctionnent. Les acteurs de théâtre ne sont pas forcément un bon choix, car jouer dans un théâtre n'est pas du tout pareil que jouer dans un film.
- Il existe beaucoup d'acteurs pleins d'avenir qui ne sont pas trop chers. Recherchez des personnes avec du charisme et du talent. Cela signifie que vous ne pouvez pas simplement attribuer les rôles à vos amis (à moins que vous ne fassiez ça pour vous amuser).
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Trouvez les lieux de tournage, les accessoires et le matériel. Vous aurez besoin de lieux de tournage comme une chambre, un salon, un coin de rue, un jardin, etc. Parfois, vous pourrez filmer gratuitement et d'autres fois vous devrez payer. Vous aurez aussi besoin d'accessoires, de costumes, de maquillage et de matériel de tournage (un micro, des caméras, etc.).
- Cela sera le travail de votre producteur si vous en avez un. Il s'assurera que vous avez tout ce dont vous avez besoin et obtiendra la permission de filmer sur certains lieux. Sinon, vous devrez le faire vous-même.
- Si votre budget est vraiment très serré, parlez à vos amis et à votre famille. Peut-être connaissez-vous quelqu'un qui sait maquiller et qui pourra maquiller vos acteurs ou bien votre tante entrepose-t-elle justement des vêtements d'époque dans son grenier ?
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Planifiez convenablement. Le processus de tournage se révèlera difficile si vous n'avez pas un plan et une vision nets de la manière dont vous tournerez le film et du résultat final. Vous devez avoir noté tous les détails sur papier et connaitre tout ce qui vous permettra de faire de votre film un succès.
- Créez une liste des prises de vue. Il s'agit d'une liste numérotée de toutes les prises de vue de votre film qui décrit le cadrage, la focale, les mouvements de caméra et les points importants que vous devez garder à l'esprit (comme, par exemple, de possibles problèmes de tournage). Vous pouvez aussi doubler cette liste avec le story-board, faites ce qui fonctionne le mieux pour vous.
- Faites une analyse du script. Cela consiste à identifier chaque élément nécessaire au tournage du film : lieux de tournage, accessoires, matériel, etc. Ce travail sera plus facile si vous avez un producteur pour vous aider.
- Partez en reconnaissance avec tous vos techniciens. Rendez-vous avec eux sur tous les lieux de tournage et passez en revue chaque prise de vue, afin que tous sachent ce que vous attendez d'eux. Vous pouvez aussi parler des problèmes qui pourraient se poser (comme le besoin d'un éclairage particulier ou des problèmes de son).
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Planifiez les prises de vue. Si vous pouvez employer un bon premier assistant-réalisateur, faites-le. C'est la personne qui, s'il le faut, criera après les acteurs. Il s'occupera de prendre des notes durant votre prise de reconnaissance avec les techniciens et il planifiera toutes les prises de vue.
- Planifier les prises de vue signifie essentiellement programmer le jour où les prises de vue doivent être filmées. En général, elles seront tournées en fonction des besoins en éclairage ou de l'organisation des caméras plutôt que dans l'ordre chronologique.
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Répétez le script avant le tournage. Cette étape semble évidente, mais elle est vraiment très importante. Les acteurs doivent se sentir à l'aise avec leur texte et leur rôle quand ils commencent le tournage.
- Assis autour d'une table avec vos acteurs, commencez par parcourir le script avec eux scène par scène. Au fur et à mesure, ils se sentiront plus à l'aise avec vous et entre eux, ce qui facilitera le tournage.
- Les acteurs talentueux n'ont pas forcément besoin de beaucoup répéter. Il peut même être préférable de ne pas trop répéter les scènes chargées en émotion pour qu'ils soient naturels lors du tournage. Cependant, cela ne se vérifie que pour les acteurs chevronnés qui ont du talent. Donc, si vous travaillez avec des acteurs amateurs, répéter le script avant le tournage est une bonne idée.
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Assurez-vous que les acteurs connaissent leur texte. Il est impossible pour un acteur de faire une excellente interprétation sans connaitre à fond son texte. Vous ne voulez pas qu'ils arrivent sur le plateau le jour du tournage, sans connaitre leur texte. C'est pourquoi les répétitions sont si importantes.
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Expliquez les sous-entendus de chaque scène. Cela signifie expliquer ce qui se passe au-delà du dialogue. Cela permettra à l'acteur de comprendre les vraies intentions de son personnage dans la scène et dans le film et influencera aussi la façon dont vous allez les diriger [3] X Source de recherche .
- Faire moins signifie plus, quand on joue dans un film. Vos acteurs doivent avoir une forte présence lorsqu'ils sont à l'écran, même lorsqu'ils ne font rien de particulier. Un bon acteur sait attirer l'attention du public sur le personnage qu'il joue, sans avoir à en faire beaucoup.
- Par exemple : Jean, notre personnage en colère mentionné ci-dessus sera interprété différemment s'il déteste sa petite amie parce qu'elle l'a quitté ou s'il est toujours amoureux d'elle (ou les deux).
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Soyez calme, concentré et clair. Le cliché du réalisateur en colère qui crie à tout bout de champ est exactement ça : un cliché. En tant que réalisateur, vous êtes responsable (si vous n'avez pas de producteur), ce qui signifie que tout le monde recherchera votre direction claire et votre calme.
- Cela explique pourquoi le story-board et la liste des prises de vue sont si importants. Vous pouvez vous y référer pour chaque scène et ils sont aussi un bon support visuel pour ceux qui travaillent à vos côtés.
- Souvenez-vous qu'un film est le résultat du travail d'une multitude de personnes, même si le réalisateur et les acteurs sont ceux qui reçoivent la plupart de l'attention et des compliments. Donc, ne vous comportez pas comme si vous étiez la personne la plus importante du plateau lorsque vous vous adressez à vos acteurs ou à votre équipe.
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Donnez des instructions précises à vos acteurs. Si vous leur avez déjà expliqué les sous-entendus du scénario et votre vision du film, il ne devrait pas y avoir beaucoup de problèmes pour qu'ils fassent ce que vous attendez d'eux dans leurs scènes. Cependant, il est important que vous leur donniez des instructions précises, même certaines comme celle-ci : « Essaye de dire cette réplique un plus rapidement ».
- Prenez beaucoup de notes. Sur votre liste détaillée des prises de vue, notez des instructions spécifiques sur les caméras et sur ce que vous voulez que vos acteurs fassent. Plus vos requêtes et commentaires seront détaillés, plus il sera facile pour vos acteurs et votre équipe de tournage de vous suivre.
- Donnez en privé tout commentaire détaillé ou critique négative s'adressant aux acteurs. Vous pouvez le faire si d'autres personnes se trouvent sur les lieux, du moment que seul l'acteur à qui vous vous adressez vous entend. Ainsi, personne ne se sentira embarrassé ou gêné.
- Faites des commentaires positifs. Les acteurs aiment recevoir des compliments sur leur travail et savoir qu'ils le font bien. Assurez-vous qu'ils le sachent en les félicitant simplement. Par exemple : « J'ai beaucoup aimé ce que tu as fait dans la dernière scène. Essayons ça lors du tournage ».
- Si vous avez un très bon acteur sous la main, il vaut mieux parfois le laisser faire ce qu'il a envie, sans trop le diriger. Même si ce n'est pas forcément ce à quoi vous pensiez, les scènes et même le film pourraient prendre une direction nouvelle, plus fraiche.
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Connaissez les différents plans et angles de caméra. En tant que réalisateur, vous aurez besoin de connaitre les différents types de plans, d'angles et de mouvements de caméra pour tourner chaque scène pour retirer le meilleur effet possible sur chaque scène. L'atmosphère d'une scène dépendra de l'angle de la caméra et du type de plan utilisés [4] X Source de recherche .
- Cadrage du plan : le plan d'ensemble (utilisé pour situer la prise de vue, peut-être pris d'aussi loin que 400 mètres), le plan de demi-ensemble (prise de vue « grandeur nature » correspond à la distance entre le public et l'écran de cinéma. Cette prise de vue attire l'attention sur les personnages et les images en arrière-plan), le plan moyen (généralement utilisé pour des scènes de dialogue ou pour un gros plan sur une certaine action, il contient 2 à 3 personnages de la tête à la taille), le gros plan (est concentré sur un visage ou un objet avec un arrière-plan flou et généralement utilisé pour entrer dans l'esprit du personnage), un très gros plan est généralement utilisé pour attirer l'attention sur un détail particulier de la bouche ou des yeux, pour donner un effet dramatique.
- L'angle de la caméra désigne la relation entre la caméra et ce qui est en train d'être filmé. Il donne une information émotionnelle au public sur l'objet ou le personnage dans la prise de vue. Le plan en plongée, vue d'oiseau (la caméra se situe au-dessus du sujet filmé et donne au public l'impression de regarder la scène du ciel tout en rendant les choses normales méconnaissables), le plan en plongée « traveling » (la caméra se situe au-dessus de l'action et donne une vue d'ensemble de ce qui se passe), le plan caméra subjective (la caméra se situe à un angle plus neutre, comme si un autre humain observait la scène), le plan en contreplongée (donne au public une sensation d'impuissance ou de confusion et, alors qu'il regarde l'objet d'en bas, fait naitre de la crainte ou une désorientation), le plan oblique (utilisé dans beaucoup de films d'horreur, ce plan donne une sensation de déséquilibre, de transition et d'instabilité).
- Les mouvements de caméra donnent une impression de ralentissement de l'action plutôt que les coupures rapides de l'image. Ils peuvent aussi rendre la scène plus « réaliste ». Les panoramiques (balayage horizontal de la scène), les panoramiques verticaux (balayage vertical de la scène), le traveling (la caméra suit l'action montée sur un petit charriot-grue en mouvement), la prise de vue à la main (la caméra Steadycam permet de filmer à la main sans que les prises soient trop saccadées, tout en donnant une impression d'urgence et de réalisme), les prises sur grue (la même chose qu'un traveling, mais pris d'une grue, de beaucoup plus haut), les zooms (changent le grossissement de l'image, ce qui permet de changer la position du public lentement ou rapidement), le plan aérien (similaire aux prises sur grue, mais pris d'un hélicoptère et généralement utilisé en début de film pour le situer).
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Arrivez dès le début de l'installation de la prise de vue, c'est-à-dire lorsque votre équipe prépare le plateau pour le tournage. Si vous avez un aide-réalisateur, vous n'êtes pas vraiment obligé d'arriver si tôt, mais c'est quand même une bonne idée de le faire. Vous pourrez en profiter pour réfléchir à vos prises de vue de la journée, à la meilleure façon de les exécuter et voir si des changements s'avèrent nécessaires.
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Répétez la prise de vue. Avant de commencer à tourner et pendant que votre équipe de techniciens installe le matériel, répétez la prise de vue avec vos acteurs et voyez avec eux ce qu'ils feront devant la caméra (leur emplacement, les différents plans que vous voulez utiliser et comment ils devront dire leur texte).
- Effectuez des tests avec votre viseur pour vérifier à quoi ressembleront vos prises de vue. À ce stade, vous voudrez peut-être faire quelques modifications et réaménager certaines scènes ou certains plans pour obtenir le meilleur résultat possible.
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Préparez votre prise de vue. Pour chaque prise de vue, vous aurez besoin de connaitre la longueur focale, l'emplacement de la caméra, les marques des acteurs (leurs emplacements), quel objectif sera utilisé et le mouvement de la caméra. Vous préparerez votre prise de vue avec votre cinématographe, en prenant tout cela en compte [5] X Source de recherche .
- Selon le genre de directeur que vous êtes et le cinématographe que vous avez (vous êtes peut-être celui qui prend les décisions pour les prises de vue), vous devrez plus ou moins diriger. Discutez avec lui de l'éclairage et du travail de la caméra jusqu'à ce que vous soyez prêt à faire la prise de vue.
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Filmez la scène. Le temps de tournage n'est pas très long et normalement on filme des scènes plutôt courtes. Filmez la scène en suivant les mouvements de caméra et les emplacements que vous avez déjà définis avec votre cinématographe. Vous pourrez visionner la scène une fois coupée pour voir le résultat.
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Examinez la prise de vue. Examiner immédiatement la prise de vue sur l'écran vidéo vous permettra de voir si vous devez apporter quelques modifications à la scène. Vous vous rendrez compte si le résultat obtenu est proche de votre idée de départ. Puis, répétez la scène jusqu'à ce que vous n'y trouviez rien à redire.
- Cette étape est très différente de celle consistant à examiner les prises de vue plus tard, dans la salle de montage. Là-bas, vous aurez plus de temps, verrez les choses plus clairement et aurez une meilleure perspective sur toutes les petites choses que vous auriez pu faire pour améliorer la scène.
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Montez le film. Lors de cette étape, vous voulez associer les différentes séquences du film d'une manière fluide et cohérente. En règle générale, on coupe juste après l'action pour éviter que le public ne s'ennuie quand il ne se passe rien. Cela signifie que vous devez passer d'un plan à l'autre au moment de l'action (comme lorsque Jean ouvre la porte du salon). Vous associerez la première prise de vue des mouvements de Jean dans un plan d'ensemble, à la deuxième prise de vue dans un plan plus serré.
- Couper sur un plan croisé permet généralement de révéler des détails. Par exemple, on fera un plan rapproché de deux hommes en pleine discussion, un homme se déplace pour révéler un gros plan sur le visage du méchant.
- Couper sur un cadre vide, dans lequel le personnage entre. Par exemple, on utilise souvent cette technique lorsqu'une personne sort d'une voiture, mais vous ne voyez que son pied. Le pied entre dans le cadre vide.
- Souvenez-vous lorsque vous effectuez des coupures qu'il faut à votre public environ deux photogrammes (à peu près équivalents à 1/12e de seconde) pour que ses yeux se déplacent d'un côté de l'écran à l'autre.
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Composez la musique. Assurez-vous que votre bande sonore se marie bien avec votre film. Il n'y a rien de pire qu'un film dont la musique ne colle ni avec le ton ni avec la forme de celui-ci. Lorsque vous discutez de la composition de la musique avec votre compositeur, parlez du style, de la vitesse, des signaux d'entrée de la musique et des instruments. Un compositeur doit comprendre votre vision du film pour créer une musique adaptée.
- Écoutez les plages de démo que vous donne votre compositeur. De cette façon, vous pourrez suivre les progrès de son travail et lui dire où effectuer des modifications.
- Si vous organisez vous-même la musique, assurez-vous bien de ne voler aucune musique protégée sous copyright pour votre film, car vous pourriez vous attirer beaucoup d'ennuis. Très souvent, vous pouvez trouver des compositeurs pas trop chers dans votre propre ville. Le niveau ne sera peut-être pas professionnel (votre film ne l'est probablement pas non plus), cependant, vous pouvez quand même obtenir un bon résultat.
- Il existe une différence entre la bande sonore du film et son thème musical. La bande sonore est de la musique préenregistrée, adaptée à une scène ou une séquence du film par rapport à son contenu, son rythme ou son atmosphère. Le thème musical revient sur certaines images ou motifs dans le film (comme le thème du requin dans « les dents de la mer »).
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Ajoutez le son. Cela signifie s'assurer que la bande sonore du film est adaptée au film fini. Il s'agit aussi d'ajouter les sons nécessaires ou d'améliorer ceux qui sont déjà existants. Vous pouvez également effacer les sons indésirables (comme le bruit d'un moteur d'avion [6] X Source de recherche ).
- Les sons diégétiques sont les sons produits par quelque chose que le public peut voir à l'écran. Bien que le son soit normalement capturé lors du tournage, la plupart du temps, il doit ensuite être renforcé. On ajoute également d'autres bruits ambiants (bruits extérieurs) ou des bruits d'intérieur (d'une pièce) pour cacher le bruit d'un moteur d'avion passant au-dessus des acteurs et pour qu'il y ait toujours un peu de bruit en arrière-plan.
- Les sons non diégétiques sont les sons provenant de l'extérieur de l'image, comme la voix off ou le thème musical.
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Montrez votre film achevé. Maintenant que vous avez fini votre film, que vous l'avez remanié et que vous y avez ajouté tous les sons nécessaires, vous êtes prêt à le montrer. Parfois, cela signifie rassembler vos amis et votre famille pour qu'ils visionnent votre dur travail, mais vous pouvez aussi trouver d'autres moyens, surtout si c'est quelque chose d'important pour vous.
- Beaucoup de villes et de régions organisent des festivals cinématographiques auxquels vous pouvez participer. Selon la qualité du film, vous pourriez même gagner le concours, mais si ce n'est pas le cas, vous aurez au moins pu atteindre un public plus large que vos amis et votre famille.
- Si vous avez un producteur, il n'aura normalement approuvé votre projet qu'à la condition d'avoir trouvé un moyen de distribution du film une fois achevé.
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Conseils
- Si vous avez l'objectif sérieux de devenir réalisateur, vous devriez étudier les films que vous aimez et analyser comment ils étaient tournés et comment les acteurs ont été dirigés. Vous devriez aussi lire des scénarios et des livres sur la cinématographie comme « La grammaire du langage cinématographique » (Angl. « Grammar of Film Language [7] X Source de recherche Arijon, Daniel. Grammar of the Film Language. New York : Hastings House, 1976. »).
- Quand vous corrigez les acteurs, soyez fermes, mais ne leur aboyez pas après. Les acteurs doivent vous respecter.
- Pour les réalisateurs, faire du théâtre est un excellent moyen d'apprendre les tenants et les aboutissants du métier d'acteur. Cela facilite le travail de direction des acteurs, car ils connaissent les méthodes et le jargon relatif à leur métier.
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Avertissements
- Si les acteurs ne se sentent pas à l'aise avec vous, soit l'expérience de réalisation sera désagréable, soit le film sera mauvais.
- Vous ne ferez pas une superproduction dès votre première tentative. Si vous prenez les choses au sérieux (si vous le faites pour vous divertir, c'est très bien aussi !), vous devrez travailler dur et probablement étudier dans une école du cinéma.
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Références
- ↑ http://www.lavideofilmmaker.com/filmmaking/screenplay-tips-three-act-structure.html
- ↑ http://www.scholastic.com/teachers/top-teaching/2011/03/behind-scenes-part-3-writing-script-and-storyboarding
- ↑ http://www.lavideofilmmaker.com/filmmaking/how-to-direct-actors-get-amazing-performances-film.html
- ↑ http://www.mediaknowall.com/camangles.html
- ↑ http://www.lavideofilmmaker.com/filmmaking/movie-making.html
- ↑ http://www.mediaknowall.com/sound.html
- ↑ Arijon, Daniel. Grammar of the Film Language. New York : Hastings House, 1976.
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